Aliume: fluorescenze pulsanti, portali transdimensionali e geometrie cosmiche

Articolo e intervista di Paulnee Human

(English version below)

C'è qualcosa di profondamente inizio anni Duemila nell'opera di Aliume, ma non in senso nostalgico: piuttosto nel modo in cui certi immaginari nati ai margini della cultura rave, della CGI amatoriale, dei poster fluorescenti dei negozi alternativi, dei visualizzatori di Winamp e delle prime esperienze digitali immersive sono improvvisamente riemersi come un linguaggio artistico totale.

Alex Aliume prende quel materiale visivo - psichedelia sintetica, geometrie pulsanti, cromatismi UV, profondità stereoscopica - e lo spinge oltre la semplice allucinazione decorativa, trasformandolo in un ambiente percettivo continuo in cui il dipinto non è più un'immagine, ma una condizione neurologica.

Nato a Kharkiv e successivamente trasferitosi negli Stati Uniti, Aliume crea opere che esistono a metà strada tra arte visionaria, installazione immersiva e il residuo ipersaturo di un internet pre-algoritmico, quando la cultura digitale conservava ancora qualcosa di cosmico, allucinatorio e stranamente innocente.

Le sue tele reagiscono alla luce ultravioletta, modificano la loro configurazione attraverso occhiali 3D, brillano nell'oscurità e incorporano movimento, rifrazione, fluorescenza e stratificazioni ottiche in un modo che ricorda meno la pittura tradizionale e più un software sensoriale installato direttamente sulla retina.

Il suo immaginario visionario è ispirato dalla natura, dai suoi schemi e da dimensioni mistiche. Aliume non utilizza alcun software per la produzione o la generazione delle immagini, combinando invece tecniche dei grandi maestri e immaginazione umana come strumento di canalizzazione creativa.

Ciò che rende interessante il suo lavoro è che non utilizza la psichedelia semplicemente come linguaggio estetico - con annesso repertorio di funghi, galassie, terzi occhi e simbolismi neo-esoterici ormai pienamente assorbiti dall'estetica contemporanea commerciale. Ciò che realmente lo interessa è la destabilizzazione percettiva: la possibilità di produrre immagini che non possano essere consumate passivamente, ma che costringano il cervello a una continua ricalibrazione.

Osservare un'opera di Aliume significa spesso attraversare simultaneamente diversi stati dell'immagine: una figura emerge, si dissolve, viene sostituita da un motivo geometrico, poi da un volto, poi da una struttura astratta che sembra sintetizzata da un motore grafico dimenticato progettato per visualizzatori musicali.

In questo senso, il suo lavoro assomiglia molto più a un festival psytrance o a una proiezione in una cupola immersiva che a una mostra tradizionale. Non è un caso che parte della sua notorietà sia nata in ambienti immersivi come AREA15 e Wink World a Las Vegas, spazi nei quali arte, intrattenimento, simulazione sensoriale e spettacolo digitale collassano in un unico linguaggio visivo.

Ciò che rende davvero affascinante Aliume non è tanto l'immaginario cosmico in sé, ormai quasi onnipresente, quanto la sua capacità di condensare genealogie estetiche normalmente separate: l'arte americana a blacklight degli anni Settanta, la grafica frattale dei forum psichedelici, l'estetica rave europea, il design immersivo contemporaneo, la cultura Burning Man, la stereoscopia dei parchi divertimento e i residui visivi della cultura digitale pre-social.

Tutto nel suo lavoro sembra provenire da una linea temporale alternativa in cui internet non è mai diventato minimalista e aziendale, ma ha continuato a evolversi come un gigantesco ambiente fluorescente e allucinatorio.

Anche la sua galleria di Williamsburg appare meno come uno spazio espositivo convenzionale e più come una camera sensoriale permanente, progettata per saturare la percezione e trasformare la visita in un'esperienza sinestetica. È un'arte pensata per essere attraversata più che contemplata, fotografata più che analizzata, vissuta quasi sempre in movimento e sotto una stimolazione luminosa continua.

Aliume sembra aver compreso qualcosa di fondamentale dell'immaginario contemporaneo: dopo decenni di interfacce digitali, schermi retroilluminati e sovrastimolazione visiva, la psichedelia non passa più attraverso una fuga dalla tecnologia, ma attraverso la sua intensificazione estrema.

Le sue opere non cercano un ritorno alla natura o a una spiritualità primordiale; assomigliano piuttosto a visioni sintetiche nate all'interno di LED, rendering in tempo reale, cultura rave globalizzata e architetture contemporanee dell'attenzione. Si tratta di una psichedelia completamente urbana, artificiale, elettronica, quasi post-organica - ed è proprio questo a renderla inequivocabilmente contemporanea.

Intervista

1. Il tuo lavoro sembra nascere dall'incontro tra arte visionaria, cultura rave, CGI degli anni Novanta, stereoscopia e installazione immersiva. Quali immagini, ambienti o esperienze hanno realmente plasmato il tuo immaginario visivo?

Tutto è iniziato durante la mia infanzia, quando sperimentavo un flusso molto intenso di visioni che sembravano impadronirsi della mia coscienza e darmi accesso a dimensioni oltre questa realtà fisica.

Credo che sia uno dei motivi per cui sono stato naturalmente attratto dalle domande esistenziali e da tutto ciò che riguarda il "Grande Mistero".

Mi sono sentito chiamato a studiare dottrine esoteriche, parapsicologia, fisica quantistica e tutto ciò che potesse aiutarmi a comprendere gli strati invisibili della realtà. Questo ha creato una base subconscia per la mia scoperta come artista: una curiosità inesauribile, una passione per la sperimentazione e il desiderio di creare qualcosa di nuovo che potesse lasciare un segno nella cultura umana.

La vera maestra a cui presto attenzione è Madre Natura. La cultura rave, gli anni Novanta e la CGI erano certamente presenti attorno a me, ma erano elementi secondari.

2. Guardando le tue opere si ha spesso la sensazione che l'immagine non sia mai stabile, ma muti continuamente in base alla luce, al movimento e allo stato percettivo dello spettatore. Ti interessa di più creare immagini o modificare il modo in cui vengono percepite?

Entrambe le cose. Credo di avere un alter ego scientifico. Mi piace mettere alla prova la percezione umana e piegare i filtri attraverso cui sperimentiamo la realtà.

Mi interessa creare immagini, ma anche portare l'occhio e la mente dello spettatore in uno stato di meraviglia. Questa è una delle mie missioni.

Per me l'arte è un'esperienza creata dalla coscienza e dalle mani.

3. Molta psichedelia contemporanea è diventata quasi decorativa, una superficie estetica immediatamente riconoscibile e facilmente consumabile. Come eviti che il tuo lavoro venga assorbito semplicemente come "visual trippy" per i social media?

È esattamente per questo che ho creato esperienze dal vivo. All'inizio si trattava di uno studio/galleria privato, dove i visitatori potevano ricevere un percorso esperienziale ed educativo e interagire direttamente con le opere.

È lì che le persone comprendono la potenza dell'arte, qualcosa che supera completamente ciò che i social media possono rappresentare. Quello che vedete online è forse il 10% dell'esperienza reale.

È molto diverso dall'andare a un rave, a una festa o in una galleria tradizionale. Venite a vedere e dimostratemi che mi sbaglio. :)

4. Pensi che la pittura contemporanea stia diventando sempre più spaziale e ambientale?

Uno degli aspetti fondamentali del mio lavoro è che è non digitale e realizzato a mano. Evito di utilizzare software digitali per la creazione delle opere.

Per me l'arte immersiva deve essere fisica e reale, non semplicemente un file da avviare. Il mio lavoro esiste in equilibrio tra immersione e artigianalità.

E sì, credo che l'arte del nostro tempo, e soprattutto quella del futuro, si stia muovendo verso nuove dimensioni esperienziali.

I vecchi critici stanno invecchiando. Le gallerie che continuano a copiarsi a vicenda nello stesso linguaggio astratto-espressionista stanno chiudendo. I mercanti stanno perdendo il controllo sulle carriere degli artisti.

E sono felice di far parte di questo cambiamento dirompente.

5. Qual è il tuo rapporto con la cultura visiva nata da internet e dai software grafici?

Mi piace il gioco del mondo digitale. Prima di diventare artista avevo due canali YouTube dove condividevo aftermovie rave e vlog esperienziali dai festival.

Quella conoscenza è poi diventata parte dell'aspetto digitale del mio lavoro: post-produzione, reel, documentazione e video nei quali opere reali e la mia mano dipinta danno l'impressione di viaggiare attraverso portali.

È qui che la mia arte si trasforma in formato digitale. Le persone spesso si chiedono se sia AI, generata da VJ o pesantemente modificata, ma in realtà c'è pochissimo editing. L'obiettivo è mantenerla abbastanza grezza e immersiva da spingere l'occhio umano a interrogarsi sulla sua origine.

6. Ti interessa la dissoluzione del confine tra opera d'arte e performance immersiva?

Sono interessato all'evoluzione e alla simbiosi tra arte e altre forme creative, inclusa la scienza.

Amo combinare componenti educative dal vivo, performance artistiche e trasformazioni immersive di costruzioni artistiche realizzate a mano.

Questo è il presente-futuro. Tutto si sta muovendo verso una nuova dimensione.

Ma tengo molto anche all'equilibrio. Non importa quanto una tecnologia diventi avanzata: per me deve continuare a portare l'energia della mano umana.

7. Pensi che la psichedelia contemporanea sia cambiata perché è cambiato il nostro sistema nervoso collettivo?

Viviamo in tempi molto rapidi, caratterizzati da una sovrastimolazione informativa. Come esseri umani, i nostri sistemi nervosi stanno cambiando e adattandosi a un nuovo ambiente in un modo probabilmente mai accaduto prima.

La psichedelia fa parte di questo cambiamento quando vi entriamo in relazione consapevolmente.

Gli schermi ormai fanno parte di noi. Sono il modo in cui informazioni, idee e immagini vengono condivise e consumate. Tuttavia, io li considero una porta verso esperienze dal vivo, non la destinazione finale.

Lo scrolling infinito non porta davvero da nessuna parte. L'interazione umana, invece, e l'arte che continua a riunire le persone, ispirarle e creare relazioni reali attraverso esperienze condivise, sono ciò di cui abbiamo profondamente bisogno in questo periodo di caos digitale.

Aliume: pulsating fluorescences, transdimensional gates and cosmic geometries

There is something profoundly early-2000s about Aliume's work, though not in any nostalgic sense: rather in the way certain imaginaries born at the margins of rave culture, amateur CGI, fluorescent headshop posters, Winamp visualizers and the first immersive digital experiences have suddenly resurfaced as a total artistic language. Alex Aliume takes that visual material — synthetic psychedelia, pulsating geometries, UV chromatics, stereoscopic depth — and pushes it beyond purely decorative hallucination, transforming it into a continuous perceptual environment in which the painting is no longer an image but a neurological condition.

Born in Kharkiv and later relocated to the United States, Aliume creates works that exist somewhere between visionary art, immersive installation and the hyper-saturated residue of a pre-algorithmic internet, back when digital culture still retained something cosmic, hallucinatory and strangely innocent. His canvases react to ultraviolet light, shift configurations through 3D glasses, glow in darkness, incorporate movement, refraction, fluorescence and optical layering in a way that resembles less traditional painting and more a sensory software installed directly onto the retina. His visionary imagery is ispired by nature, its patterns and mystical realms. Aliume do not use any software for production or image generation, combining old masters techniques and human imagination for channeling.

What makes Aliume interesting is that he does not use psychedelia merely as iconography, as a repertoire of mushrooms, galaxies, third eyes and neo-esoteric symbolism now fully absorbed into commercial contemporary aesthetics; what truly interests him is perceptual destabilization, the possibility of producing images that cannot be passively consumed but instead force the brain into continuous recalibration, as if each work operated through micro-cognitive displacements. Looking at an Aliume piece often means moving through several states of the image simultaneously: a figure emerges, dissolves, gets replaced by a geometric pattern, then by a face, then by an abstract structure that feels synthesized by some forgotten graphics engine designed for music visualizers.

In this sense, his work resembles a psytrance festival or dome projection experience far more than a traditional exhibition. It is no coincidence that part of his visibility emerged through immersive environments such as AREA15 and Wink World in Las Vegas, spaces where art, entertainment, sensory simulation and digital spectacle collapse into the same visual grammar.

What ultimately makes Aliume compelling is not the cosmic imagery itself, now nearly ubiquitous, but the way he condenses together multiple aesthetic genealogies that usually remain separate: American blacklight art from the 1970s, fractal graphics from psychedelic forums, European rave aesthetics, contemporary immersive design, Burning Man culture, amusement-park stereoscopy and the visual residues of pre-social digital culture. Everything in his work feels as though it emerged from an alternate timeline in which the internet never became minimalist and corporate, but instead continued evolving as a gigantic fluorescent hallucinatory environment.

Even his Williamsburg gallery feels less like a conventional exhibition space than a permanent sensory chamber, a place built to saturate perception and transform the visit into a synesthetic experience. It is art designed to be traversed rather than contemplated, photographed more than analyzed, experienced almost always in movement and under continuous luminous stimulation; unsurprisingly, it functions perfectly within the contemporary culture of immersive installations, infinity rooms and environments designed to produce both aesthetic experience and social-media documentation simultaneously.

Aliume seems to have understood something fundamental about the contemporary imagination: after decades of digital interfaces, backlit screens and visual overstimulation, psychedelia no longer passes through an escape from technology but through its extreme intensification. His works do not seek a return to nature or some primordial spirituality; they resemble synthetic visions born inside LEDs, realtime rendering, globalized rave culture and the architectures of contemporary attention. It is a completely urban, artificial, electronic, almost post-organic psychedelia — and that is precisely what makes it feel so unmistakably contemporary.

Interview

1) Your work seems to emerge from a collision point between visionary art, rave culture, 1990s CGI, stereoscopy and immersive installation. Which images, environments or experiences actually shaped your visual imagination?

Everything started in my childhood, when I experienced a very intense stream of visions that felt as if they were taking over my consciousness and giving me access to realms outside this physical dimension. I think this is one of the reasons I was naturally drawn to existential questions and to anything connected with "The Great Mystery."

I felt called to study esoteric doctrines, parapsychology, quantum physics, and everything that could help me understand the invisible layers of reality. That created a subconscious foundation for my self-discovery as an artist: an inexhaustible curiosity, a passion for experimentation, and a desire to create something new — something that could leave a mark on human culture.

Mother Nature is the true teacher I pay attention to. Rave culture, the 1990s, and CGI were definitely present around me, but they were secondary.

2) Looking at your works, one often has the feeling that the image is never stable but continuously mutates depending on light, movement and the viewer's perceptual state. Are you more interested in creating images or in altering the way they are perceived?

It is both. I think I have a scientific alter ego. I love challenging human perception and bending the filters through which we experience reality.

I am interested in creating images, but also in placing the viewer's eye and mind into an "awe state." That is one of my missions. For me, art is an experience created by consciousness and by hands.

3) A lot of contemporary psychedelia has become almost decorative, an instantly recognizable and easily consumable aesthetic surface. How do you prevent your work from being absorbed simply as "trippy visuals" for social media?

That is exactly why I created in-person experiences. At first, it was a private studio/gallery practice, where visitors could come in, receive an experiential and educational tour, and engage with the work directly.

That is where people realize the power of the art — something that completely exceeds what social media can portray. Everything you see on social media is maybe 10% of the actual in-person human experience.

It is very different from going to a rave, a party, or a conventional white-wall gallery. Come and prove me wrong. :)

4) Your installations seem to have more in common with rave environments, dome projections or immersive experiences than with the traditional gallery format. Do you think contemporary painting is becoming increasingly spatial and environmental?

One of the key points about my work is that it is non-digital and created by hand. I refrain from using digital software for the creation of the artworks themselves.

For me, immersive art should be physical and real — not just a file you plug in and play. My work exists in the balance between immersion and craftsmanship. Sometimes one piece can take months to create.

And yes, I believe the art of our time, and especially the art of the future, is moving into new experiential dimensions. Old critics are getting older. Galleries that keep copying one another in the same abstract-expressionist language are closing their doors. Dealers are losing control over artists' careers.

And I am happy to be part of that disruptive change.

5) In your work, highly physical techniques — painting, phosphorescence, UV materials — coexist with an intensely digital aesthetic that almost feels like realtime rendering. What is your relationship with the visual culture born from the internet and graphic software?

I would say I do enjoy the game of the digital world. Before I became an artist, I had two YouTube channels where I was sharing rave aftermovies and experiential vlogs from festivals. That knowledge later became part of the digital aspect of my work: post-production, reels, documentation, and videos where real artworks and my own body-painted hand create the feeling that you are traveling through portals.

This is where my art transforms into a digital format. People often question whether it is AI, VJ-generated, or heavily edited, but in truth, there is almost no editing. The goal is to keep it raw and immersive enough that the human eye begins to question its origin.

6) You have worked within contexts like AREA15 and Wink World, where art, entertainment and sensory simulation completely merge together. Are you interested in this dissolution of the boundary between artwork and immersive spectacle?

I am interested in evolution and in the symbiosis of art with other creative forms, including science. I love combining educational in-person components, artistic performance, and the immersive transformation of handmade artistic constructions.

That is the present-future. Everything is moving into a new dimension.

But I also care deeply about balance. It does not matter how technologically advanced something becomes — for me, it still has to carry the energy of the human hand.

7) Your works seem designed for an age of constant perceptual overstimulation, made of screens, LEDs, visual loops and fragmented attention. Do you think contemporary psychedelia has changed precisely because our collective nervous system has changed?

We live in very fast times of informational overstimulation. As human beings, our nervous systems are constantly changing and adapting to a new environment in a way that has probably never happened before. Psychedelia is part of that shift when we consciously engage with it.

Screens are part of us now. They are how information, ideas, and images are shared and consumed. But I see them as a doorway to in-person experiences, not as the final destination.

Non-stop scrolling never really gets you anywhere. But human interaction, and art that still brings people together, inspires them, and creates real relationships through shared experience — that is what we need so much in this time of digital chaos.